---

Видео на тему: ШЕДЕВРЫ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ - видео

Исполняет ансамбль Concerto Italiano, дирижер Rinaldo Alessandrini. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и баса континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).Исполняют Steven Isserlis (виолончель) и Mishka Rushdie Momen (фортепиано). Якоб Людвиг Феликс Мендельсон Бартольди (нем. Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy; 3 февраля 1809, Гамбург, Рейнский союз — 4 ноября 1847, Лейпциг, Королевство Саксония — немецкий композитор, пианист, дирижёр, педагог еврейского происхождения. Один из крупнейших представителей романтизма в музыке. Глава Лейпцигской школы в немецкой музыке, основатель Лейпцигской консерватории. Феликс Мендельсон родился в семье банкира Авраама Мендельсона. Дедом композитора был знаменитый еврейский философ Мозес (Моисей) Мендельсон, основатель движения Хаскала («еврейского Просвещения»). Несколько лет спустя после рождения Феликса семья Мендельсонов, еврейская по происхождению, приняла лютеранство и взяла вторую фамилию — Бартольди. В 1811 году Мендельсоны перебрались в Берлин. Юный Феликс рос в богатой творческой и интеллектуальной атмосфере. В доме Мендельсонов часто бывали многие знаменитые люди того времени, в частности, знаменитый философ Фридрих Гегель и видный музыкальный педагог и композитор того времени Карл Цельтер. Именно Цельтер обратил внимание на хорошие музыкальные способности Мендельсона и стал давать ему уроки теории музыки. Одновременно Мендельсон начал заниматься на фортепиано у Людвига Бергера и на скрипке сперва у Карла Хеннинга, а затем у Эдуарда Рица. Уже в девять лет Мендельсон успешно выступил как пианист, а год спустя в Берлине успешно состоялся его вокальный дебют. К этому же времени относятся его первые серьёзные композиторские опыты: соната для скрипки и фортепиано, фортепианное трио, две фортепианных сонаты, ряд органных сочинений. В 1821 году Цельтер познакомил Мендельсона с Гёте, который благосклонно отнёсся к таланту 12-летнего музыканта. Вскоре состоялось знакомство Мендельсона с Вебером, который приехал в Берлин на постановку своей оперы «Вольный стрелок». В эти годы Мендельсон уже ведёт активную концертную деятельность, выступая как пианист и дирижёр. Из известных работ этого периода — Первая симфония c-moll, Концерт для фортепиано с оркестром a-moll, фортепианные квинтет и секстет, в 1824 году была поставлена его опера «Два племянника». Знакомство Мендельсона со знаменитым пианистом Игнацем Мошелесом, относящееся к этому же времени, переросло в многолетнюю дружбу и творческое сотрудничество. В 1825 году Авраам Мендельсон совершает поездку в Париж и берёт с собой сына. Париж того времени был одним из музыкальных центров Европы, где работали крупнейшие композиторы того времени — Джоаккино Россини и Джакомо Мейербер. Мендельсон встречается с ректором Парижской Консерватории Луиджи Керубини, который даёт его дарованию высочайшую оценку. В 1826 году Мендельсон сочинил одно из самых известных своих произведений — увертюру к комедии Шекспира «Сон в летнюю ночь». Впоследствии он часто дирижировал этим произведением в своих концертах. 1827 год отмечен первой постановкой «Свадьбы Камачо». На первом представлении оркестром руководил Гаспаре Спонтини. Публика хорошо приняла оперу, однако из-за многочисленных интриг, возникших вокруг неё, второе представление сорвалось. В дальнейшем Мендельсон разочаровался в этом своём сочинении и больше не написал ни одной оперы, сосредоточившись на инструментальной музыке и ораториях. В том же году Мендельсон поступает в Берлинский университет, где слушает лекции Фридриха Гегеля. Мендельсон активно интересовался музыкой Баха, в то время почти совершенно забытого композитора. Ещё в 1823 году его бабушка подарила ему копию манускрипта «Страстей по Матфею». Хоровые сочинения Баха давал Мендельсону для работы Цельтер, считая их, однако, не более чем учебным материалом. Когда в 1829 году совместно с певцом и режиссёром Эдуардом Девриентом Мендельсон задумал продирижировать Страсти по Матфею, Цельтер активно выступал против. Однако исполнение состоялось (это было первое исполнение «Страстей» после смерти Баха), правда, в сокращённом виде (Мендельсон был вынужден убрать некоторые арии, речитативы и хоралы, иначе исполнение могло затянуться на очень долгое время) и с некоторыми изменениями в составе оркестра (партия клавесина исполнялась на хаммерклавире, причём самим Мендельсоном, партии гобоев д’амур — кларнетными, а гобоев да качча («охотничьих гобоев») — скрипичными). Девриент исполнял партию Иисуса. Исполнение имело большой успех, и Мендельсон исполнил «Страсти» в ближайших концертах ещё дважды. Сонату №2 ре-мажор Р. Шуман считал более драматичной. Если в Первой сонате виолончель часто звучит в нижнем регистре и ее партия существенно уступает фортепианной, то во Второй — виолончель используется значительно интересней, и здесь можно говорить о равноправии партнеров. Вторая соната завершена в 1843 году и посвящена Матвею Вельгорскому. Она относится к лучшим камерным сочинениям Мендельсона.Исполняют Mark Fewer (скрипка) и Hank Knox (клавикорд). Скрипичная соната Вивальди ре-минор RV.12. Это произведение входит в состав "Манчестерских скрипичных сонат" - коллекции ранее неизвестных скрипичных сонат, обнаруженных в библиотеке Манчестера (Великобритания) в 1970-х годах. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта».Исполняет ансамбль Harmonie Universelle. Кристоф Граупнер (нем. Christoph Graupner, родился 13 января 1683, Хартмансдорф близ Кирхберг — умер 10 мая 1760, Дармштадт) — немецкий композитор эпохи барокко. Учился музыке в школе при церкви святого Фомы (нем. Thomasschule) в Лейпциге у Иоганна Кунау и Иоганна Шелле вместе с такими в будущем известными композиторами, как Иоганн Фридрих Фаш и Иоганн Давид Хайнихен. В 1705 году устроился клавесинистом в оркестр гамбургской оперы, которым руководил Райнхард Кайзер и где в то время служил также Георг Фридрих Гендель. В 1711 году приглашён гессен-дармштадтским ландграфом Эрнстом-Людвигом возглавить дворцовую капеллу. В 1715 году капелла была из-за нехватки средства распущена, но Граупнер сохранил пост капельмейстера до конца жизни. В 1723 году выиграл конкурс на должность кантора школы Святого Фомы в Лейпциге, но после того, как ландграф согласился поднять ему жалование, отказался от поста, рекомендовав вместо себя Иоганна Себастиана Баха. В 1754 году Граупнер ослеп. После смерти композитора, его наследие стало предметом судебного спора между его родственниками и ландграфом. Бывший наниматель сохранил права на весь архив Граупнера, благодаря чему творчество композитора, в отличие от сочинений большинства его современников, сохранилось практически в полном объеме. Основным направлением в обширнейшем творческом наследии Граупнера (около 2000 произведений) являются церковные кантаты, к написанию которых он обратился после ликвидации светской дворцовой капеллы в Дармштадте. Всего перу Граупнера принадлежит 1418 церковных кантат, а также 24 светских. Кроме того, им было создано среди прочего 8 опер, 113 симфоний, 44 концерта для различных инструментов с оркестром, 80 оркестровых сюит и 36 сонат для различных инструментов, инструментальные трио и клавесинные партиты.Исполняет камерный оркестр Лос-Анджелеса, дирижер Jaime Martin. «Пульчине́лла» (итал. Pulcinella) — балет с пением Игоря Стравинского в одном действии, созданный в 1919―1920 годах по музыке Дж. Б. Перголези и других композиторов XVIII века. Балет был создан по мотивам традиционной итальянской комедии дель арте, в которой Пульчинелла выступает одним из главных мужских персонажей. Либретто создавалось общими усилиями авторов: организатором Русских сезонов Сергеем Дягилевым, композитором Игорем Стравинским, хореографом Леонидом Мясиным и сценографом Пабло Пикассо. Первое исполнение состоялось 15 мая 1920 года в Гранд-опера, Париж, под управлением Эрнеста Ансерме силами труппы Русский балет Дягилева. Балет возродил значительно ослабевший в XIX веке интерес к Пульчинелле как персонажу комедии дель арте. Леонид Мясин писал в мемуарах, что идея постановки пришла при работе над исследованиями по комедии дель арте в библиотеке королевского дворца в Неаполе, где хореограф нашёл ряд сценариев XVIII века: «Тем летом [1919 года] в Неаполе я часто ходил смотреть кукольные спектакли, в которых Пульчинелла играл главную роль. Я восхищался его постоянно менявшимися жестами, его длинными ногами, его маской с крючковатым носом, со смеющейся и плачущей сторонами лица. У старого итальянского актёра я купил подлинную маску Пульчинеллы, которая прежде принадлежала Антонио Петито, актёру и режиссёру комедии дель арте XVIII века. Я надел её и попытался воспроизвести движения и жесты Пульчинеллы». Балет был задуман Дягилевым на основе либретто XVIII века и, согласно его замыслу, должен был сопровождаться аутентичной музыкой: для этого были выбраны сочинения Джованни Перголези, десять фрагментов (все шесть вокальных). Хотя вся музыка была приписана Перголези, большая её часть атрибутирована некорректно: некоторые композиции написали Доменико Галло, Унико Виллем ван Вассенар, Карло Игнацио Монца и, возможно, Алессандро Паризотти. Согласно мемуарам Стравинского, Дягилев также снял копии произведений Перголези из собраний библиотек Лондона. Из более поздних исследований следует, что Дягилев предложил Стравинскому фрагменты из опер Перголези «Влюблённый монах» (1732) и «Фламинио» (1735), Кантату № 4, Гавот с двумя вариациями и синфонию для виолончели и контрабаса, части из трио-сонат для двух скрипок и цифрованного баса, Аллегро из Сонаты № 7 для клавесина и прочие сочинения. В 1919 году дирижёр Эрнест Ансерме написал Стравинскому о возможных перспективах аранжировки. Вначале композитор отнесся к предложению без энтузиазма: ему не нравилась идея обработки чужой музыки. Однако, изучив собранный Дягилевым в библиотеках Неаполя и Лондона материал, Стравинский передумал и взялся за работу. По воспоминаниям композитора, эта работа доставила ему большую радость и заставила ощущать близкое духовное родство и даже общность чувств с неаполитанским композитором, к творчеству которого он «всегда чувствовал большую склонность и совсем особую нежность». Эта трудоёмкая работа «по определённому сценарию с картинами различного характера» потребовала координации с основными создателями балета и вызвала проведение большого количества совещаний с Дягилевым, Пикассо и Мясиным, во время которых возникали различные разногласия, которые выливались в довольно бурные сцены. Дело в том, что Мясин ставил танцы по клавиру, который ему посылал в Париж Стравинский из швейцарского Моржа частями, по мере того как он заканчивал их оркестровку. В связи с этим между ними возникло некоторое недопонимание, выразившееся в различных подходах к концепции балета. По мнению композитора, первоначальная хореография Мясина, её характер и подчёркнутая значительность танцев не соответствовали его замыслу, и в первую очередь «скромной» звучности небольшого камерного оркестра. В целом Стравинский, за исключением нескольких хореографических эпизодов, был очень доволен созданным балетом, который, по его мнению, представляет собой одну из тех редких постановок, в которой «всё строго уравновешено и где все составные элементы — сюжет, музыка, хореография, декоративное оформление — сливаются в одно целое, стройное и единое». Позже Стравинский говорил в одном из интервью, что хореография местами была механистична, но лишь эпизод с вариациями вступал в противоречие с музыкой, что было вызвано недопониманием по поводу возможностей оркестра в балете. Композитор выделял роль Мясина, который сумел проникнуться духом неаполитанского театра, а его исполнение роли Пульчинеллы было выше всяких похвал; Пикассо же сотворил настоящее чудо, и он даже не может точно выразить, что его восхитило больше — «краски, пластика или же удивительное сценическое чутьё этого замечательного человека». В 1921 году композитор сделал транскрипцию сочинения для механического рояля. На основе музыки балета Стравинский в 1922 году написал оркестровую Итальянскую сюиту, премьера которой прошла с Бостонским симфоническим оркестром под управлением Пьера Монтё 22 декабря 1922 года в Бостоне.Исполняет Filarmonica Gioachino Rossini, дирижер Marco Mencoboni. Родился в семье музыкантов: отец был трубачом, мать — певицей. Учится игре на различных музыкальных инструментах, пению. Изучает в Болонском музыкальном училище композицию под руководством падре Маттеи; не закончил курса. С 1812 по 1815 год работает для театров Венеции и Милана: особый успех выпал на долю «Итальянки в Алжире». По заказу импрессарио Барбайи (Россини женится на его подруге, сопрано Изабелле Кольбран) создаёт шестнадцать опер до 1823 года. Переезжает в Париж, где становится директором «Театра итальен», первым композитором короля и генеральным инспектором пения во Франции. Прощается с деятельностью оперного композитора в 1829 году после постановки «Вильгельма Телля». Расставшись с Кольбран, женится на Олимпии Пелисье, реорганизует Болонский музыкальный лицей, находясь в Италии до 1848 года, когда политические бури вновь приводят его в Париж: его вилла в Пасси становится одним из центров художественной жизни. «Танкред» (итал. Tancredi) — опера Джоакино Россини на либретто Гаэтано Росси в двух действиях по одноимённой драме Вольтера. Премьера состоялась в Венеции в театре «Ла Фениче» 6 февраля 1813 года. Стендаль считал эту оперу одним из лучших произведений композитора. До написания этой оперы Россини на данный сюжет уже существовала предыдущая французская с названием «Танкред» (фр. Tancrède) — лирическая трагедия Андре Кампра по либретто Антуана Данше (Королевская академия музыки Франции, 7 ноября 1702 г.). Однако сегодня это произведение исполняется редко. Увертюру «Танкреда» Россини позаимствовал из своей более ранней оперы «Пробный камень». Премьера состоялась в Венеции в театре «Ла Фениче» 6 февраля 1813 года, однако спектакль не был доведён до конца из-за плохого самочувствия певиц, исполнявших главные партии, и полное представление оперы впервые прошло только 13 февраля 1813 года в том же театре. Вскоре после этого Россини переработал оперу, отказавшись от счастливого конца. Изменить либретто, написанное Гаэтано Росси, было поручено Луиджи Леки. Новая редакция оперы была исполнена на сцене в Ферраре предположительно 30 марта 1813 года. Новую версию «Танкреда» публика не приняла, и в дальнейшем на сцене исполнялась только первоначальная редакция. Как и ряд других опер Россини, «Танкред» получил негативный отзыв композитора Карла Марии фон Вебера. Как вспоминал Россини о своём визите в Вену в 1822 году: «По-видимому, в давние времена Вебер написал о „Танкреде“, или, вернее, против „Танкреда“, газетную статью, и он придавал этому такое большое значение, что даже осведомился через одного знакомого, захочу ли я его видеть. Если бы я, двадцатилетним парнем настрочив „Танкреда“, мог тогда предположить, что где-то какой-то иностранный композитор написал о нём заметку, то я поистине почёл бы это за честь. Вы можете себе представить, что из-за этого я не отнёсся к визиту Вебера с меньшим удовольствием». По сравнению с трагедией Вольтера в опере подчеркнуто героико-патриотическое начало; в порабощенной австрийцами Италии «Танкред» прозвучал как мощное утверждение верности родине. Первоначальная редакция оперы имеет счастливый конец. Вскоре после премьеры Россини, обратившись к содействию другого либреттиста, восстановил трагический финал пьесы, однако эта смелая попытка сделать оперную драматургию более серьезной шокировала значительную часть публики, и новая редакция не прижилась, а сочиненные для нее фрагменты были утрачены. Действие происходит в XV в. Изгнанный из Сицилии рыцарь Танкред, страстно преданный отчизне, любит Аменаиду, дочь главы рыцарского ордена Арджирио, а тот хочет выдать свою дочь за военачальника Орбадзано. Девушка отказывается, вызывая ярость отца, а в довершение всего ее письмо к Танкреду перехвачено и воспринято как переписка с вождем сарацин Соламиром, отряды которого угрожают Сиракузам. Мнимую изменницу ждет смерть, однако неузнанным появляется Танкред, тайно возвратившийся в Сиракузы, и, защищая честь возлюбленной, сражает своего врага Орбадзано на поединке. Аменаида свободна, хотя подозрения в ее измене не рассеялись. Жители Сиракуз просят Танкреда вести их в бой. В первой редакции сарацины побеждены, Аменаида оправдана. Во второй редакции Танкред тяжело ранен в бою и умирает, принимая заверения Аменаиды в любви к нему и ее невиновности. Музыка пронизана патриотическим воодушевлением. Все средства оперы-сериа направлены на утверждение высоких идеалов гражданственности. Любовная линия, несмотря на все свое значение, носит подчиненный характер. Широкую популярность получила во всей Италии ария Танкреда «Di tanti palpiti» («За все тревоги»), ставшая символом героической, борющейся за свою свободу страны. Партия Танкреда написана для контральто; лучшей ее исполнительницей считалась Дж. Паста. В России опера поставлена впервые в Петербурге в 1839 г. с А. Петровой-Воробьевой в заглавной роли.Исполняет Tommaso Benciolini (флейта). Интерес к музыке Баха возник почти сто лет спустя после его смерти: в 1829 году под управлением немецкого композитора Мендельсона было публично исполнено величайшее произведение Баха - «Страсти по Матфею». Впервые - в Германии - было издано полное собрание баховских сочинений. А музыканты всего мира играют музыку Баха, поражаясь её красоте и вдохновению, мастерству и совершенству. «Не ручей! - Море должно быть ему имя», - сказал о Бахе великий Бетховен. Предки Баха издавна славились своей музыкальностью. Известно, что прапрадед композитора, булочник по профессии, играл на цитре. Из рода Бахов выходили флейтисты, трубачи, органисты, скрипачи. В конце концов каждого музыканта в Германии начали называть Бахом и каждого Баха - музыкантом. Иоганн Себастьян Бах родился в 1685 году в небольшом немецком городке Эйзенахе. Первые навыки игры на скрипке он получил от отца, скрипача и городского музыканта. Мальчик имел превосходный голос (сопрано) и пел в хоре городской школы. Никто не сомневался в его будущей профессии: маленький Бах должен был стать музыкантом. Девяти лет ребенок остался сиротой. Его воспитателем стал старший брат, служивший церковным органистом в городе Ордруфе. Брат определил мальчика в гимназию и продолжал обучать музыке. Но то был нечуткий музыкант. Однообразно и скучно шли занятия. Для пытливого десятилетнего мальчика это было мучительно. Поэтому он стремился к самообразованию. Узнав, что у брата в запертом шкафу хранится тетрадь с произведениями прославленных композиторов, мальчик тайком по ночам доставал эту тетрадь и переписывал ноты при лунном свете. Шесть месяцев длилась эта утомительная работа, она сильно повредила зрение будущего композитора. И каково же было огорчение ребенка, когда брат застал его однажды за этим занятием и отобрал уже переписанные ноты. В пятнадцать лет Иоганн Себастьян решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. В 1703 году он закончил гимназию и получил право поступить в университет. Но Баху не пришлось использовать это право, так как нужно было добывать средства к существованию. В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы. Почти каждый раз причина оказывалась одна и та же - неудовлетворительные условия работы, унизительное, зависимое положение. Но как бы ни была неблагоприятна обстановка, его никогда не покидало стремление к новым знаниям, к совершенствованию. С неутомимой энергией он постоянно изучал музыку не только немецких, но также итальянских и французских композиторов. Не упускал Бах случая и лично познакомиться с выдающимися музыкантами, изучить манеру их исполнения. Однажды, не имея на поездку денег, молодой Бах отправился в другой город пешком, чтобы послушать игру прославленного органиста Букстехуде. Так же неуклонно отстаивал композитор своё отношение к творчеству, свои взгляды на музыку. Вопреки преклонению придворного общества перед иностранной музыкой, Бах с особой любовью изучал и широко использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы. Прекрасно познав музыку композиторов других стран, он не стал им слепо подражать. Обширные и глубокие знания помогали ему совершенствовать и отшлифовывать свое композиторское мастерство. Талант Себастьяна Баха не ограничивался этой областью. Он был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине. И если как композитор Бах при жизни не получил признания, то в импровизациях за органом его мастерство было непревзойдённым. Это вынуждены были признать даже его соперники. Рассказывают, что Бах был приглашён в Дрезден, чтобы участвовать в состязании со знаменитым в то время французским органистом и клавесинистом Луи Маршаном. Накануне состоялось предварительное знакомство музыкантов, оба они играли на клавесине. В ту же ночь Маршан поспешно уехал, признав тем самым неоспоримое превосходство Баха. В другой раз, в городе Касселе, Бах изумил своих слушателей, исполнив соло на педали органа. Такой успех не вскружил Баху голову, он всегда оставался очень скромным и трудолюбивым человеком. На вопрос, как он достиг такого совершенства, композитор ответил: «Мне пришлось усердно заниматься, кто будет так же усерден, достигнет того же». С 1708 года Бах обосновался в Веймаре. Здесь он служил придворным музыкантом и городским органистом. В веймарский период композитор создал свои лучшие органные сочинения. Среди них известнейшая Токката и фуга ре минор, знаменитая Пассакалия до минор. Эти произведения значительны и глубоки по содержанию, грандиозны по своим масштабам.Исполняет Lina Tur Bonet (скрипка). Дата составления неизвестна. Частично не завершена, восстановлена по фрагментам анонимно. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и баса континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).Дирижер Herbert von Karajan. Лю́двиг ван Бетхо́вен (нем. Ludwig van Beethoven, 16 декабря 1770, Бонн — 26 марта 1827, Вена) — немецкий композитор, пианист и дирижёр, последний представитель «венской классической школы». Бетховен — ключевая фигура классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX веков. «Эгмонт» — музыка Бетховена к одноимённой трагедии И. В. Гёте. Была закончена композитором три года спустя после создания Пятой симфонии, в 1810 году. В 1809 году Бетховен получает от дирекции Венского придворного театра заказ на написание музыки к трагедии Гёте «Эгмонт» и работает над ней с конца 1809 до весны 1810 года, по его собственным словам, «исключительно из любви к поэту». Бетховен высоко ценил творчество Гёте, с которым неоднократно встречался. Он писал песни на его стихи как в ранний («Сурок»), так и в центральный период своего творчества («Песня Миньоны», «Песня о блохе» и др). Музыка к «Эгмонту» состоит из увертюры, созданной последней, и девяти номеров. Впервые она прозвучала 15 июня 1810 года, когда трагедия Гёте была исполнена в четвертый раз в Венском придворном театре. Иоганн Вольфганг Гёте в 1775 году начал работу над трагедией «Эгмонт», которую завершил 12 лет спустя. Герой ее, Эгмонт, граф Ламораль, принц Гаврский (1522—1568) — один из первых вельмож Фландрии и Брабанта — происходил из древнего рода, известного еще в эпоху Крестовых походов. Его родина в XVI веке находилась под властью Испании, от которой стремилась освободиться, выступая одновременно и против католицизма. Эгмонт с 16 лет был придворным испанских королей, участвовал во многих походах и даже сопровождал Филиппа II в Англию, когда тот сватался к Марии Тюдор. Любимец солдат и народа и в то же время верноподданный католик, Эгмонт в 1565 году был направлен к испанскому королю с требованием уничтожить инквизицию. В следующем году он вновь принес присягу на верность испанской короне, хотя нидерландские патриоты, его соратники по оппозиции Филиппу II принц Вильгельм Оранский и граф Горн, отказавшиеся присягнуть, предостерегали его от вероломства короля и даже предлагали покинуть родину. Однако Эгмонт, доверчивый и простодушный, встретил нового наместника Нидерландов, кровавого герцога Альбу при его въезде в Брюссель, часто бывал в его доме, а 9 сентября 1567 года был арестован по приказу герцога и заключен в Гентскую цитадель. В ней Эгмонт провел 9 месяцев. Ему было предъявлено 90 пунктов обвинения, которые он блистательно опроверг. Несмотря на это, Эгмонт был приговорен к смерти и 5 июля 1568 года казнен в Брюсселе. Все его имущество было конфисковано королем, так что вдова и 11 детей остались нищими. У Гёте Эгмонт молод, холост и влюблен. Его возлюбленная, простая девушка Клерхен, мечтает сражаться вместе с ним. Она же зовет к восстанию, чтобы освободить героя, и, не в силах пережить смерть любимого, кончает с собой. Призывом к борьбе за свободу, верой в победу народа, несмотря на все страдания и жертвы, наполнен заключительный монолог Эгмонта в темнице перед казнью. Как и другие увертюры, «Эгмонт» быстро занял место на концертной эстраде, где стал одним из популярнейших симфонических сочинений Бетховена. В этой увертюре наиболее полно и сжато воплощены типичные идейные и стилевые черты творчества композитора: героика борьбы за свободу, требующей напряжения всех сил и тяжких жертв; яркость, броскость тематизма и ясность формы, обращенной к самому широкому кругу слушателей. Медленное вступление вводит в основное содержание развертывающейся драмы, рисуя картину угнетения и страданий порабощенного народа. Противостоят друг другу тяжелые мерные аккорды струнных в ритме испанской сарабанды и жалобные вздохи, переходящие от гобоя к кларнету, от фаготов к скрипкам. Постепенно у скрипок и деревянных духовых инструментов зарождается новая тема. Ее утверждает мужественный голос виолончелей. Скорбная, с мотивом вздоха, она становится все более активной, волевой, настойчивой. Но ее развитие прерывается вторжением торжествующей сарабанды, вновь порождающей жалобы и стоны. Начинаются столкновения, напряженная борьба. Ее волны приносят уже известные темы. В перекличке духовых и струнных инструментов побеждает сарабанда. Резко обрывается возглас скрипок и наступает тишина. Герой погиб. В траурные тона окрашены приглушенные аккорды деревянных духовых. Кажется, все кончено... Но внезапно характер музыки резко меняется. Нарастает радостное ожидание — словно издалека постепенно приближается праздничная толпа. Блеск медных инструментов и впервые вступающей флейты-пикколо ассоциируется со звучанием военного оркестра. Это «Победная симфония», которая завершает не только увертюру, но и всю трагедию.Исполняет Алексей Володин (фортепиано) и оркестр SWR, дирижер Дмитрий Слободенюк. Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер (нем. Carl Maria von Weber; 18 или 19 ноября 1786, Ойтин — 5 июня 1826, Лондон) — немецкий композитор, дирижёр, пианист, музыкальный писатель, вместе с Гофманом является основоположником немецкой романтической оперы, предшественник Вагнера. Один из первых композиторов-романтиков, создатель немецкой романтической оперы, организатор национального музыкального театра. Музыкальные способности Вебер унаследовал от отца, оперного капельмейстера и антрепренёра, игравшего на многих инструментах. Детство и юность прошли в странствиях по городам Германии. Нельзя сказать, чтобы он в молодости прошёл систематическую и строгую музыкальную школу. Первым учителем игры на фортепиано, у которого Вебер занимался достаточно продолжительное время, был Иоганн Петер Хойшкель, затем по теории — Михаэль Гайдн, брал он уроки и у Георга Фоглера (аббата Фоглера). В 1798 году появились первые произведения Вебера — маленькие фуги. Затем Вебер был учеником органиста Кальхера в Мюнхене. Более основательно теорию композиции впоследствии прошёл с аббатом Фоглером, имея товарищами по занятиям Джакомо Мейербера и Готфрида Вебера; одновременно занимался на фортепиано у Франца Лауски. Первым сценическим опытом Вебера была опера «Die Macht der Liebe und des Weins» (Сила любви и вина), написанная им в 12 лет. Хотя он в ранней молодости и писал много, но первый успех выпал на его оперу о немой лесной девушке «Das Waldmädchen» (1800). Опера 14-летнего композитора была дана во многих городах Европы — Фрайберге, Вене, Праге, в России — в Петербурге. Впоследствии Вебер переработал эту оперу, которая, под названием «Сильвана», долго держалась на многих оперных германских сценах. Ещё в 1810 году Вебер обратил внимание на сюжет «Фрейшютца» («Вольный стрелок»); но только в 1819 году он начал писать оперу на этот сюжет, обработанный Иоганном Фридрихом Киндом. «Фрейшютц», поставленный в 1821 г. в Берлине под управлением автора, вызвал фурор, и слава Вебера достигла своего апогея. «Наш стрелок попал прямо в цель» — писал Вебер либреттисту Кинду. Бетховен, удивлённый произведением Вебера, говорил, что он не ожидал этого от столь мягкого человека и что Веберу следует писать одну оперу за другой. Концертная пьеса (концертштюк) фа-минор для фортепиано с оркестром, соч. 79, J. 282, была написана Карлом Марией фон Вебером. Он начал работу над ней в 1815 году и завершил ее утром в день премьеры своей оперы Der Freischütz, 18 июня 1821 года. Премьера состоялась неделю спустя, 25 июня, на своем прощальном берлинском концерте. Konzertstück вышел как третий фортепианный концерт; однако, поскольку она состоит из одной непрерывной части (четырех частей) и имеет четкую программу, Вебер решил не называть ее «концертом», а «Konzertstück» (Концертная пьеса). В партитуре используются флейты, гобои, кларнеты, фаготы, валторны и трубы в парах, бас-тромбон, литавры и струнные. На выполнение нужно около 17 минут и необходима блестящая техника. Утром в день премьеры Der Freischütz Вебер исполнил Konzertstück своей жене Кэролайн и своему ученику Юлиусу Бенедикту и рассказал им программу: - (фа минор; Larghetto affetuoso): «Шателин сидит одна на балконе, глядя вдаль. Ее рыцарь отправился в крестовый поход на Святую Землю. Прошли годы, сражения велись; он все еще жив? Увидит ли она его когда-нибудь снова?» - (фа минор; Allegro Passionato): «Ее возбужденное воображение вызывает видение ее благородного мужа, лежащего раненым и брошенного на поле боя. Не могла ли она подлететь к нему и умереть с ним? Она падает без сознания. Затем издалека доносится звук трубы. Там, в лесу, что-то вспыхивает в солнечном свете, когда оно приближается все ближе и ближе». - (до мажор: Tempo di marcia): «Рыцари и оруженосцы с крестом крестоносцев и развевающимися знаменами приветствуются толпой. И вот ее муж среди них! Она тонет в о его руках». - (фа мажор, Presto gioioso): «Счастье без конца! Лес и волны поют песню о любви, а тысяча голосов провозглашает ее победу». Тема разлуки и радостного возвращения была тем, что Людвиг ван Бетховен исследовал в 1810 году в своей сонате для фортепиано. № 26 ми-бемоль Les Adieux, соч. 81a. 12-летний Феликс Мендельсон почти наверняка присутствовал на премьере, и произведение произвело огромное впечатление. Он впервые исполнил ее в 18 лет, 20 февраля 1827 года, на своем первом публичном концерте, на котором состоялась премьера его Увертюры «Сон в летнюю ночь». Ференц Лист тщательно переработал сольную фортепианную партию, чтобы учесть более широкие возможности новых фортепиано эпохи Листа. Лист также написал сольную фортепианную транскрипцию Концертштюк (S. 576a). Концертштюк записывался много раз и является фаворитом репертуара фортепианных концертов.Исполняет Javier Lupiáñez (скрипка) и ансамбль Scaramuccia. Дата создания композиции неизвестна. Переработанная Отторино Респиги (1879 - 1936), она стала очень популярной концертной пьесой. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и баса континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).Исполняет ансамбль «Мадригал». Князь Андрей Михайлович Волконский (14 февраля 1933, Женева — 16 сентября 2008, Экс-ан-Прованс) — русский композитор, клавесинист и органист. Родился в 1933 году в Женеве в семье русских эмигрантов, представителей княжеского рода Волконских. Отец — князь Михаил Петрович Волконский, мать — Кира Георгиевна Петкевич (1911—1995). С пяти лет начал импровизировать на фортепиано. Ребёнком играл свои импровизации Рахманинову. Учился у Дину Липатти, затем в 1944–1945 годах в Женевской консерватории у Джонни Обера. После переезда с родителями в Париж в 1946 году учился один год в Русской консерватории. В 1947 году семья репатриировалась в Советский Союз, где родителям позволили поселиться в Тамбове. Однако Андрей временно жил в Москве, где был принят на последний курс музыкального училища при Московской консерватории, где учился у Е. И. Месснера по композиции, и В. С. Белова по фортепиано, и которое окончил в 1949 году. Вскоре переехал к родителям в Тамбов, где окончил Музыкальное училище. В 1950—1954 году учился в Московской консерватории на факультете теории музыки и композиции (класс Ю. Шапорина), но по причине неудовлетворительных оценок по курсу марксизма-ленинизма был отчислен. В 1955 году Волконский был принят в Союз композиторов СССР. В том же 1955 году, совместно с Рудольфом Баршаем, принимает участие в создании Московского камерного оркестра, в котором до 1957 года играет партию клавесина и органа. С 1956 года выступает с сольными концертами как клавесинист, став одним из пионеров аутентичного исполнительства в России. В 1962 года произведения Волконского подвергаются официальному запрету в СССР и больше не исполнялись. Вследствие этого Волконский концентрируется на исполнительской деятельности, продолжая сочинять „в стол“. В 1965 году он основывает ансамбль старинной музыки «Мадригал», с которым гастролирует по всему Советскому союзу, в 1969 году участвует в фестивале «Пражская весна», а в 1970 году совершает гастроли по городам Восточной Германии, а также по Румынии и Польше. В мае 1973 года Волконский эмигрирует на Запад, где живёт поначалу в Женеве, в 1974 году поселяется в художественном центре «Банхоф Роландсек» близ Бонна, с 1975 года живёт в Париже, а в 1977 году, став стипендиатом Берлинской программы поддержки деятелей искусств DAAD, полгода пребывает в Берлине, позднее, в том же 1977 году, останавливается во Флоренции, но летом 1978 года снова переезжает в Женеву. В 1979—1983 годах выступает совместно со скрипачом и исполнителем на виоль д’амур Даниэлем Фрадкиным. В 1981 году создаёт в Женеве ансамбль старинной музыки «Hoc Opus», в составе — Клодин Ансерме (сопрано), Джонатан Рубин (лютня), Шарин Рубин (виола да гамба), Андрей Волконский (клавесин). В 1988 году окончательно поселяется в городе Экс-ан-Прованс на юге (Франции). Скончался 16 сентября 2008 года в Экс-ан-Провансе. Отпевание, с участием православного священника и хора из Ниццы, состоялось 21 сентября, похороны — 22 сентября. Согласно его желанию, был похоронен среди могил аристократов начала XX века, в склепе княжеского семейства Волконских на кладбище французского города Ментоны, недалеко от границы с Италией, которую очень любил. Сын, князь Пеэтер (Пётр) Андреевич Волконский — эстонский актёр и рок-музыкант. Ансамбль солистов «Мадригал» — один из старейших и наиболее авторитетных российских ансамблей старинной музыки. Основан в 1965 году композитором Андреем Волконским, после эмиграции Волконского в 1972 году ансамбль возглавляла Лидия Давыдова (с перерывом в 1983—1992 годах, когда ансамблем руководил Олег Янченко). С творчеством «Мадригала» связано открытие для широкого российского слушателя западноевропейской музыки добаховского периода. Монографические концерты и звукозаписи «Мадригал» посвящал музыке Франции, Англии, Италии, Испании, Германии, Нидерландов. В дальнейшем и хронологические, и культурные рамки деятельности ансамбля были расширены: «Мадригал» начал исполнять византийскую, южнославянскую и русскую музыку (вплоть до духовных концертов XVIII века), а в западноевропейской музыке дошёл до произведений IX—XII веков, хотя основой репертуара остаются сочинения XIV—XVIII столетий. Ранний период истории «Мадригала» отмечен работой в составе коллектива ряда выдающихся музыкантов, в дальнейшем избравших сольную или иную карьеру: Марка Пекарского, Алексея Любимова, сестёр Лисициан. С 1972 по 1992 в «Мадригале» пел первый русский контратенор Е. В. Аргышев. В 2008 году Московская государственная филармония реорганизовала ансамбль, сохранив прежнее название; новый коллектив возглавил лютнист Александр Суетин. Другие музыканты прежнего состава во главе с прежней руководительницей ансамбля Лидией Давыдовой также продолжили выступления под названием «Мадригал» и зарегистрировали в 2010 г. Автономную некоммерческую организацию (АНО) «Мадригал». В 2011 году Лидия Давыдова скончалась.Исполняет Baltic Baroque Ensemble. Соната написана в 1709 году как часть его соч. 2 сонаты для скрипки (№ 11). Впервые опубликована в Амстердаме в 1712/13 году. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и бассо континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).Вокализ (опус 34 № 14) — музыкальное произведение Сергея Рахманинова, написанное для голоса и фортепиано. Рахманинов начал работу над опусом 34 летом 1912 года в семейной усадьбе в Ивановке. Работа шла плодотворно и, практически каждый день, из-под пера композитора выходил очередной романс: 5 июня — «В душе у каждого из нас», 6 июня — «Муза», 7 июня — «Буря», и другие. Последним, четырнадцатым произведением стал «Вокализ». Когда цикл романсов был закончен, Рахманинов едет в Москву и продаёт сборник крупнейшему в России музыкальному издательству Карла Александровича Гутхейля, но «Вокализ» по желанию композитора в этот сборник не включили. Поэтому первое издание опуса 1913 года содержало лишь первые тринадцать романсов. Работу над последним произведением Рахманинов решил продолжить: от первого наброска весной 1912 года до чистовой рукописи финальной версии прошло три года. Первая редакция полного авторского текста Вокализа была завершена 1 апреля 1915 года — эта дата зафиксирована Рахманиновым в рукописи, которую он преподнёс в дар Антонине Неждановой. Нежданова предложила несколько замечаний, тогда же, прислушавшись к её замечаниям, Рахманинов сделал несколько исправлений карандашом в вокальной партии, занося в партитуру также исполнительские штрихи и нюансы. Вокализ замечателен своей свободно льющейся мелодией, выдержанной как бы на одном дыхании и подчиняющей себе всё музыкальное развитие. В основе мелодии лежит попевка, вариантно распеваемая в стиле русской протяжной песни или знамённых распевов — со свойственной им свободой метроритма, переменностью размера, отсутствием тактовых акцентов. Заметно влияние бесконечной мелодии Баха и пластичности итальянского Бельканто. Классическая ясность и стройность формы сочетаются с философской возвышенностью и глубиной мысли. Композитору потребовалось еще некоторое время, чтобы подготовить окончательный вариант нотного текста, который существенно отличается от первого: одно из отличий состоит в изменении тональности: ми-бемоль минор на до-диез минор. В фондах Музея музыки хранятся рукописи набросков, демонстрирующих разные этапы работы композитора над сочинением и позволяющие проследить за изменениями авторского замысла. Авторские редакции романса существуют в нескольких тональностях — до-диез минор, ми-бемоль минор, ми минор. Опус 34 включает четырнадцать вокальных миниатюр и каждая из них с посвящением. Среди адресатов были близкие знакомые Сергея Рахманинова Мариэтта Шагинян, Фёдор Шаляпин, Леонид Собинов, Пётр Чайковский и другие. Романс № 14, известный под названием «Вокализ», композитор посвятил певице Антонине Неждановой. Антонина Неждановой была близкой подругой жены Рахманинова — Натальи Сатиной. Её знакомство с Рахманиновым состоялось, когда Антонина Васильевна обучалась в Московской консерватории. На встречах у общих знакомых она исполняла под аккомпанемент композитора его романсы. Уже будучи солисткой Большого театра, певица включала в свои концертные программы романсы Рахманинова, неоднократно выступала в концертах и в оперных спектаклях под его дирижёрским управлением. Специально на Нежданову композитор писал заглавную партию в опере «Франческа да Римини». В апреле 1915 года он показал эту композицию Антонине Васильевне Неждановой. «Это талантливое, прекрасное, произведение, написанное с большим художественным, вкусом, знанием, произвело сильное впечатление. Когда я высказала ему своё сожаление о том, что в этом произведении нет слов, он на это сказал: - Зачем слова, когда вы своим голосом и исполнением сможете выразить всё лучше и значительно больше, чем кто-нибудь словами. Это было так убедительно, серьёзно сказано, и я так этим была тронута, что мне оставалось только выразить ему от всей души свою глубокую благодарность за такое лестное мнение и исключительное отношение ко мне.» Антонина Нежданова В оригинальной публикации указывается, что песня может исполняться как сопрано, так и тенором, но чаще выбирается именно сопрано. Тенором партия исполняется на октаву ниже. Вокализ изначально был придуман как упражнение для вокала. В произведении Рахманинова, как и в классических вокализах, нет слов — оно поётся на одном гласном звуке, который выбирает сам исполнитель. Мелодия основана на небольшой попевке, которая развивается в свободном стиле, воспринимается на одном дыхании, так как создаётся впечатление непрерываемой текучести кружевной музыкальной ткани. Произведение, написано в двухчастной форме, четырёхдольном тактовом размере, с авторским темповым указанием Lento (ленто, медленно), molto cantabile (мольто кантабиле — весьма певуче). Оно начинается с тонического трезвучия и уже на следующей доле вступает выразительная распевная тема вокалиста. Размеренный и ровный ритм аккордового аккомпанемента, придающий музыке черты строгой классичности, обрастает мелодическими подголосками и тем самым образует с вокальной мелодией живописные узоры. Инструментальное сопровождение вокала нарастает и постепенно становиться насыщенным и многослойным.Исполняет Croatian baroque ensemble. Его первым учителем и наставником был отец, Леопольд Моцарт, помощник капельмейстера при дворе зальцбургского архиепископа. В 1762 году отец представляет Вольфганга, ещё совсем юного исполнителя, и его сестру Наннерль дворам Мюнхена и Вены: дети играют на клавишных инструментах, на скрипке и поют, а Вольфганг ещё и импровизирует. В 1763 году состоялось их длительное турне по Южной и Восточной Германии, Бельгии, Голландии, Южной Франции, Швейцарии вплоть до Англии; дважды они были в Париже. В Лондоне происходит знакомство с Абелем, И. К. Бахом, а также певцами Тендуччи и Манцуоли. В двенадцать лет Моцарт сочиняет оперы «Мнимая пастушка» и «Бастьен и Бастьенна». В Зальцбурге назначается на должность концертмейстера. В 1769, 1771 и 1772 годах посещает Италию, где получает признание, ставит на сцене свои оперы и занимается систематическим образованием. В 1777 году совершает в обществе матери поездку в Мюнхен, Мангейм (где влюбляется в певицу Алоизию Вебер) и Париж (где мать умирает). Обосновывается в Вене и в 1782 году женится на Констанции Вебер, сестре Алоизии. В том же году большой успех ждёт его оперу «Похищение из сераля». Создаёт произведения самых разных жанров, проявляя удивительную многогранность, становится придворным композитором (без определённых обязанностей) и надеется после смерти Глюка получить должность второго капельмейстера Королевской капеллы (первым был Сальери). Несмотря на славу, особенно оперного композитора, надежды Моцарта не сбылись, в том числе из-за сплетен относительно его поведения. Уважение к аристократическим условностям и традициям, как религиозным, так и светским, сочетались у Моцарта с чувством ответственности и внутренним динамизмом, которые заставляли некоторых рассматривать его как сознательного предшественника романтизма, в то время как для других он остаётся несравненным завершением рафинированного и умного века, почтительно относившегося к правилам и канонам. В любом случае именно из постоянного столкновения с различными музыкальными и моральными клише того времени родилась эта чистая, нежнейшая, нетленная красота музыки Моцарта, в которой столь загадочным образом присутствует то лихорадочное, лукавое, трепетное, что именуется «демоническим». Благодаря гармоническому использованию этих качеств, австрийский мастер — подлинное чудо музыки — преодолел все трудности композиции со знанием дела, которое А. Эйнштейн верно называет «сомнамбулическим», создав огромное количество произведений, хлынувших из-под его пера как под давлением со стороны заказчиков, так и в результате непосредственных внутренних побуждений. Он действовал со скоростью и самообладанием человека нового времени, хотя и оставался вечным ребёнком, чуждым любых феноменов культуры, не относящихся к музыке, полностью обращённым к внешнему миру и одновременно способным на поразительные проникновения в глубины психологии и мысли. В театре Моцарт добился беспрецедентного соединения итальянской оперы-буффа и драмы, достигнув музыкальных результатов неоценимого значения. В то время как действие его опер основывается на хорошо подобранных сценических эффектах, оркестр, словно лимфа, пропитывает каждую мельчайшую клеточку характеристики персонажа, легко проникает в малейшие промежутки внутри слова, как ароматное, тепловатое вино, словно из боязни, что у персонажа не хватит духа выдержать роль. Необычайного сплава мелодии несутся на всех парусах, то образуя легендарные соло, то облачаясь в разнообразные, очень тщательные наряды ансамблей. Под постоянным изысканным равновесием формы и под остросатирическими масками видна постоянная устремлённость к человеческому сознанию, которая скрыта игрой, помогающей овладеть болью и исцелить её. Возможно ли, чтобы его блистательный творческий путь закончился Реквиемом, который, хотя и не доведённый до конца и не всегда поддающийся чёткому прочтению, хотя и завершённый неумелым учеником, до сих пор приводит в содрогание и исторгает слёзы? Смерть как долг и далёкая улыбка жизни является нам во вздыхающей Lacrimosa, словно весть юного бога, слишком рано отнятого у нас. Адажио и Рондо, К.617, — квинтет, написанный Вольфгангом Амадеем Моцартом для стеклянной гармоники, флейты, гобоя, альта и виолончели. Завершенный 23 мая 1791 года (дата указана в собственном списке произведений Моцарта), он был написан для Марианны Кирхгесснер, виртуозной слепой исполнительницы на стеклянной гармонике, сыгравшей первый спектакль в Бургтеатре Академии 10 июня 1791 г., а затем исполнившей его в Кертнертортеатре 19 августа 1791 г. Рукопись с автографом находится в Британской библиотеке как часть коллекции Стефана Цвейга. Она была куплена Цвейгом на берлинском аукционе в 1930 году. Работа была впервые опубликована издательством Breitkopf & Härtel в 1799 году. Длина адажио до-минор составляет 58 тактов, а рондо (до-мажор) — 230 тактов.Исполняют Genevieve Blanchard (флейта) и Ban Zimmermann (блокфлейта). Георг Филипп Телеман (нем. Georg Philipp Telemann; 14 (24) марта 1681, Магдебург — 25 июня 1767, Гамбург) — немецкий композитор, капельмейстер, музыкальный критик и общественный деятель. Известен также под анаграмматическим псевдонимом Меланте. Был широко известным музыкантом в Германии и за её пределами. Как композитор работал во всех современных ему жанрах музыкального искусства. Внёс значительный вклад в концертную жизнь, издательское дело и музыкальное образование Германии. «В 1701 году Телеман закончил своё школьное образование, ненадолго вернулся в родной город, и вскоре поступил под давлением матери в Лейпцигский университет. Вероятно, выбор Лейпцига, важного тогда центра современной музыки, не был случайным». По пути в Лейпциг в Галле Телеман встретил шестнадцатилетнего Георга Фридриха Генделя. Они подружились, и этой дружбе суждено было длиться всю жизнь. В Лейпциге один из его псалмов был исполнен в церкви Св. Фомы. Произведение так понравилось, что присутствовавший на богослужении бургомистр Франц Конрад Романус официально предложил ему готовить по 2 кантаты в месяц для этой церкви, и в дальнейшем оказывал Телеману всяческую поддержку. Этот неожиданный поворот судьбы оказался решающим; отныне Телеман окончательно решает посвятить себя музыке. Всего через год после поступления в университет он основал для 40 студентов-музыкантов любительский оркестр Collegium musicum. В период 1729—1739 этим коллективом руководил Иоганн Себастьян Бах. В 1702 году Телеман руководил спектаклями учреждённого в 1693 году городского общедоступного оперного театра, где также принимали участие многие члены Collegium musicum и оставался его главным композитором до закрытия в 1720 году. В спектаклях он играл партию генерал-баса и иногда пел. Вскоре он также занял должность органиста в церкви Св. Фомы, «победив» таким образом престарелого соперника Иоганна Кунау, бывшего кантора «Томаскирхе». Их вкусы резко расходились, однако Телеман признавался, что Кунау оказал большое влияние на его полифоническую технику. Возможно, из-за возникшей между ними напряженности Телеман рано оставил эту должность. Известно, что Телеман дважды ездил из Лейпцига в Берлин. В 1704 году он стал музыкальным руководителем и органистом университетской церкви. Как композитор он обладал необычайной стилистической гибкостью. Он свободно владел техникой полифонического письма, но в стремлении к большей доступности пришёл к новому для того времени гомофонному письму. В 1710-х и 20-х годах Телеман сыграл ведущую роль в создании так называемого немецкого смешанного стиля, соединяя немецкий контрапунктический стиль с польским, французским и итальянским (то есть «галантным», проявившемся в начале 1730-х годов; однако его творчество нельзя отнести к ранней классической эпохе). Наибольшее значение приобрела его инструментальная музыка, которая завоевала популярность благодаря тесной связи с бытовой мелодикой, танцем, а также программности и изобразительности. Композитор стремился к тому, чтобы его музыка была доступной, считал своей обязанностью не только развлекать, но и воспитывать. Написал «Упражнения в пении, игре и генерал-басе» (1734), где даны не только элементы музыки и гармонии, но и правила морали. Свободно владея техникой полифонического письма, создавал произведения во всех современных ему музыкальных жанрах. Телеман был самым плодовитым композитором своего времени: его творческое наследие включает более 3000 произведений. Первая точная оценка числа его работ была предпринята музыковедами только в 1980-е и 1990-е годы, когда были изданы обширные тематические каталоги. Сегодня каждому произведению Телемана обычно присваивается число TWV, что означает Telemann-Werke-Verzeichnis (Каталог произведений Телемана).Исполняет Fabrizio Cipriani (скрипка). Соната написана в 1709 году как часть его соч. 2 сонаты для скрипки (№ 7). Впервые опубликована в Амстердаме в 1712/13 году. Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и бассо континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).Исполняет Capella Savaria, дирижер Mary Térey-Smith. 00:00 I. Ouverture 04:00 II. Aria 07:02 III. Bourrée 08:51 IV. Menuet 12:18 V. Aria: Largo 17:54 VI. Aria: Un poco allegro Иоганн Фридрих Фаш (15 апреля 1688 — 5 декабря 1758) — немецкий скрипач и композитор. Большая часть его музыки написана в переходном стиле барокко-классика, известном как галант. Фаш родился в городе Буттельштедт, в 11 км к северу от Веймара, и был старшим ребенком школьного учителя Фридриха Георга Фаша и его жены Софи Вегериг из Лейсслинга недалеко от Вайсенфельса. После смерти отца в 1700 году Фаш жил со своим дядей по материнской линии, священнослужителем Готфридом Вегеригом в Гётевице, и, предположительно, именно таким образом он познакомился с оперным композитором Рейнхардом Кайзером. Фаш был певчим в Вайсенфельсе и учился у Иоганна Кунау в школе Св. Фомы в Лейпциге. Именно в Лейпциге в 1708 году он основал Collegium Musicum. В 1711 году он написал оперу для исполнения на Петропавловском фестивале в Наумбурге, а вторую — для фестиваля в 1712 году. В 1714 году, не имея возможности заручиться аристократическим покровительством для поездки в Италию, Фаш вместо этого отправился в Дармштадт, чтобы в течение трех месяцев изучать композицию под руководством своего бывшего префекта Лейпцига Кристофа Граупнера и Готфрида Грюневальда. Затем он много путешествовал по Германии, став скрипачом в оркестре в Байройте в 1714 году, был секретарем в Гере до 1719 года, а с 1719 по 1721 год занимал придворную должность органиста в Грайце. Следующим его крупным постом была Прага, где он в течение двух лет служил капельмейстером и придворным композитором графа Морзина. В 1722 году он «неохотно принял должность» придворного капельмейстера в Цербсте, должность, которую он занимал до своей смерти. Его помощником был органист Иоганн Улих. Также в 1722 году ему было предложено подать заявку на должность Томаскантора в Лейпциге в его альма-матер, школе Святого Фомы, но он решил отказаться от участия в конкурсе. Лейпцигский дебют в конечном итоге был заполнен Иоганном Себастьяном Бахом, который очень уважал Фаша. Его произведения включают кантаты, концерты, симфонии, камерную музыку. Ни одно из его музыкальных произведений не было опубликовано при его жизни, и, согласно Словарю музыки и музыкантов New Grove в 2014 году, «похоже, что большинство его вокальных произведений (включая 9 полных циклов кантат, как минимум 14 месс и четыре оперы) утеряны, а инструментальные произведения в основном сохранились». Однако его музыка «широко исполнялась» в его время и пользовалась большим уважением у современников. Георг Филипп Телеман исполнил цикл его церковных кантат в 1733 году в Гамбурге, органное произведение, когда-то приписываемое Иоганну Себастьяну Баху как BWV 585, теперь известно как аранжировка частей из трио-сонаты Фаша; и Collegium Musicum Баха в Лейпциге (группа, отличная от группы, основанной Фашем) исполнила некоторые из Оркестровых сюит Фаша (десять из них, по словам Хьюго Римана в 1900 году, на основе его изучения копий в библиотеке школы Св. Фомы, которые, по словам Римана, частично находились в руках Баха. Только одна из этих сюит пережила Вторую мировую войну; она находится в руках Карла Готхельфа Герлаха). В 1900 году Риман утверждал, что стиль Фаша был важным связующим звеном между периодами барокко и классикой, и что он был одним из тех, кто «полностью поставил инструментальную музыку на ноги и заменил фугальное письмо современным «тематическим» стилем»; В статье Нью Гроува о Фаше говорится: «Более поздние исследования в значительной степени подтвердили оценку [Римана]». Фаш умер в Цербсте в возрасте 70 лет 5 декабря 1758 года. Он был отцом Карла Фридриха Кристиана Фаша, родившегося 18 ноября 1736 года, как и его отец, известного музыканта. В городе Цербст/Анхальт международные фестивали проводятся с 1983 года, а с 1993 года – раз в два года. Шестнадцатый международный фестиваль Фаша (2021 г.) был отменен из-за ограничений Covid-19. 17-й Международный фестиваль Фаша прошел с 15 по 18 июня 2023 года в Цербсте/Анхальт.Людвиг ван Бетховен (крещение 17 декабря 1770 — 26 марта 1827) — немецкий композитор и пианист. Бетховен остается одним из самых почитаемых композиторов в истории западной музыки; его произведения входят в число самых исполняемых произведений репертуара классической музыки и охватывают переход от классического периода к романтической эпохе в классической музыке. Его карьеру условно делят на ранний, средний и поздний периоды. Обычно считается, что его ранний период, в течение которого он создавал свое ремесло, длился до 1802 года. С 1802 по 1812 год его средний период демонстрировал индивидуальное развитие стилей Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта и иногда характеризуется как героический. За это время он начал становиться все более глухим. В поздний период своей жизни, с 1812 по 1827 год, он расширил свои новшества в музыкальной форме и выражении. Бетховен родился в Бонне. Его музыкальный талант был очевиден еще в раннем возрасте. Первоначально его жестко и интенсивно обучал его отец, Иоганн ван Бетховен. Позже Бетховена обучал композитор и дирижер Кристиан Готтлоб Неефе, под чьей опекой он опубликовал свое первое произведение - набор клавишных вариаций - в 1783 году. Он нашел облегчение от неблагополучной семейной жизни в семье Хелены фон Бройнинг, детей которой он любил, дружил и преподавал игру на фортепиано. В 21 год он переехал в Вену, которая впоследствии стала его базой, и изучал композицию у Гайдна. Затем Бетховен приобрел репутацию пианиста-виртуоза, и вскоре ему покровительствовал Карл Алоис, князь Лихновский, в результате чего в 1795 году он создал три фортепианных трио Opus 1 (самые ранние произведения, которым он присвоил номер опуса). Премьера его первого крупного оркестрового произведения, Первой симфонии, состоялась в 1800 году, а его первый набор струнных квартетов был опубликован в 1801 году. Несмотря на ухудшение слуха в этот период, он продолжал дирижировать, представив свои Третью и Пятую симфонии в 1804 и 1808 годах соответственно. Его последний концерт для скрипки с оркестром появился в 1806 году. Его последний фортепианный концерт (№ 5, соч. 73, известный как «Император»), посвященный его частому покровителю эрцгерцогу Австрийскому Рудольфу, премьера состоялась в 1811 году, без Бетховена в качестве солиста. К 1814 году он почти полностью оглох, а затем отказался от выступлений и появления на публике. Свои проблемы со здоровьем и нереализованную личную жизнь он описал в двух письмах: «Гейлигенштадтском завещании» (1802 г.) к братьям и неотправленном любовном письме неизвестной «Бессмертной возлюбленной» (1812 г.). «Аh! perfido» (Ах! Обманщик), Op. 65 — концертная ария для сопрано и оркестра Людвига ван Бетховена. Драматическая сцена начинается с речитатива до-мажор, взятого из оперы Пьетро Метастазио «Ахилл в Скиро». Ария «Per pietà, non dirmi addio» (Ради бога, не прощайтесь со мной) написана в тональности ми-бемоль мажор, автор текста анонимен. Впервые произведение было исполнено 21 ноября 1796 года в Театре Ранштадтер Тор в Лейпциге с сопрано Йозефой Душек в качестве солистки. Певец, друг Моцарта в Праге, рекламировал ее как «итальянскую сцену, написанную Бетховеном для Безумной Душек», возможно, чтобы вызвать интерес, а не как заявление о посвящении. Единственная сохранившаяся рукопись переписчика посвящена «синьоре графине ди Клари», графине Жозефине Клари-Альдринген. Еще одно заметное выступление произошло в 1808 году в рамках благотворительного концерта композитора 22 декабря, на котором, среди прочего, были представлены премьеры его пятой и шестой симфоний, отрывок из его мессы до-мажор. Певицей стала 17-летняя Жозефина Шульц-Киллички, которая уложилась в кратчайшие сроки после того, как другие отказались от выступления. Невестка скрипача Игнаца Шуппанцига, она, возможно, к неоднозначной реакции исполнила партию по рукописи, в которой показаны изменения, внесенные Бетховеном. Эта версия отличается от первого издания, что вызывает проблемы у редакторов, поскольку обе версии авторизованы Бетховеном. Произведение было впервые опубликовано в Лейпциге в 1805 году Бюро музыки Хоффмейстера и Кюнеля Франца Антона Хоффмайстера и Амброзиуса Кюнеля без номера опуса, как и многие ранние произведения Бетховена. В 1819 году Хофмейстер в Лейпциге напечатал ее и присвоил номер 46. Номер 65, который Бетховен по неизвестным причинам не использовал, был присвоен пьесе в 1819 году Артарией в Вене, когда Соната Бетховена для фортепиано соч. № 106 опубликован со списком работ.Исполняет Lina Tur Bonet (скрипка). Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция, Венецианская республика — 28 июля 1741, Вена, Эрцгерцогство Австрия, Священная Римская империя) — итальянский композитор и скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Оставил огромное и разнообразное композиторское наследие: оперы, оратории, инструментальную и камерную музыку. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века. При жизни получил широкое признание как скрипач во всей Европе. Известность Вивальди как композитора при его жизни была велика, но после смерти его слава начала затухать. Вивальди долгое время был известен, в основном, благодаря своим инструментальным концертам, в особенности, для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». В последнее время, в связи с находками и всё более активизирующимся исполнением произведений Вивальди, выясняется масштаб его грандиозного композиторского дарования. Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля церкви «Оспедале делла Пьета» в Венеции, где он, будучи рукоположен в сан священника, служил в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете. В течение жизни Вивальди его известность распространилась не только в Италии, но и в других странах, включая Францию. Однако после его смерти популярность композитора сократилась. После эпохи барокко концерты Вивальди стали относительно неизвестны и долгое время игнорировались. Даже самая известная работа Вивальди, «Времена года», была неизвестна в оригинальном издании ни в эпоху классицизма, ни в эпоху романтизма. В начале XX века концерт Фрица Крейслера в C-dur, сочинённый в стиле Вивальди (который он выдавал в качестве оригинального произведения итальянского композитора) помог возродить репутацию Вивальди. Началу академического изучения творчества Вивальди способствовал также французский учёный Марк Пинкерле. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства XVIII века, утвердивший новую драматизированную, так называемую «ломбардскую» манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо (concerto grosso). Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Ещё при жизни стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII—XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717—1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, — оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах — его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта». Бахом были переложены шесть концертов Вивальди для клавира соло, три для органа, и один для четырёх клавесинов, струнных и бассо континуо (BWV 1065), основанный на концерте для четырёх скрипок, двух альтов, виолончели и бассо континуо (RV 580).